[서양음악사 5] 바로크 음악의 특징과 역사: 오페라부터 기악곡까지 완벽 정리

바로크 시대는 오페라, 오라토리오, 칸타타 등의 성악 양식과 협주곡, 소나타, 무곡 모음곡, 푸가 등의 기악 형식이 눈부시게 발전하고, 오늘날 우리가 사용하는 장조와 단조 체계가 확립된 서양 음악사의 가장 중요한 전환기였다.

바로크 음악의 탄생과 특징

'바로크(Baroque)'라는 용어는 '일그러진 진주'를 뜻하는 포르투갈어 'barroco'에서 유래했다. 초기에는 지나치게 화려하고 기괴하다는 부정적인 의미로 쓰였으나, 19세기 미술 비평가들이 이 시대 특유의 극적이고 표현적인 양식을 재평가하면서 긍정적인 의미로 바뀌었다. 이탈리아에서 시작해 1600년부터 1750년경(J.S. 바흐의 사망 연도)까지 지속된 바로크 시대는 웅장한 규모, 화려한 장식, 대비를 통한 극적인 긴장감을 그 특징으로 한다.

바로크 음악은 인간의 감정을 다소 과장되더라도 생생하게 표현하고자 했으며, 이를 위해 새롭고 화려한 하모니와 복잡한 음률이 발달했다. 음악 형식과 양식 측면에서 확고한 흐름이 형성되었는데, 대표적인 특징은 다음과 같다.

• 대조와 긴장감: 성악 대 기악, 독주 대 합주, 소규모 대 대규모 합주 등 서로 대조되는 음향 매체를 교대로 배치하여 극적인 긴장감을 추구했다.
• 바소 콘티누오(Basso Continuo, 통주저음): 베이스 파트를 첼로, 바순 등의 저음 악기와 쳄발로(하프시코드), 오르간 등의 화음 악기로 보강하여 음악의 뼈대를 튼튼하게 다졌다. 악보에는 베이스 음표 아래에 숫자만 적어 넣는 '숫자 저음(Figured Bass)' 기보법을 사용했고, 연주자들은 이를 바탕으로 화음을 즉흥적으로 채워 넣으며 연주 기량을 뽐냈다.
• 조성 체계 확립: 기존의 복잡한 선법에서 벗어나 장조와 단조를 사용하는 조성 체계가 확립되었다. 1722년 장 필립 라모(J. P. Rameau)는 『화성론』을 저술하여 현대 화성학의 기초를 세웠다.

바로크 시대의 음악 연주 모습 (출처: biograview.com)

기악 음악의 눈부신 발달

17세기에 들어서며 악기에 대한 인식이 완전히 달라졌다. 음악가들은 악기 고유의 음색과 성능에 주목하기 시작했고, 이들의 창조적 욕구를 충족시킬 수 있는 정교한 명기(名器)들이 제작되었다. 아마티, 과르네리, 스트라디바리 같은 명장들이 최고의 바이올린을 만들어내면서 현악기가 기악 음악의 중심이 되었다.

건반 악기로는 쳄발로(하프시코드), 클라비코드, 오르간이 널리 쓰였다. 목관 악기인 오보에, 바순, 플루트가 점차 개량되어 쓰인 반면 리코더는 쇠퇴하기 시작했다. 트럼펫, 호른, 트롬본 등의 금관 악기도 대규모 합주에 힘을 보탰다. 17세기 후반에 이르러서는 실내악과 오케스트라의 구분이 정형화되기 시작했다.

기악 양식으로는 협주곡(Concerto), 소나타(Sonata), 무곡 모음곡(Suite)이 유행했으며, 이를 전개하는 핵심 기법으로 푸가(Fugue)가 지배적으로 사용되었다. 특히 무곡 모음곡은 동일한 조성의 짧고 대조적인 춤곡들(알망드, 쿠랑트, 사라방드, 지그 등)을 엮어 연주했다. 또한 화음을 반복하는 샤콘느, 베이스 라인을 반복하는 파사칼리아, 일정한 음형을 음 높이를 달리하여 반복하는 동형진행(Sequence) 기법 등 독특한 바로크적 변주 기법들이 만개했다.

개신교 회중 찬송가인 코랄(Choral) 선율을 바탕으로 한 '코랄 전주곡'은 바로크 오르간 음악의 핵심으로 자리 잡았다. 바로크 음악을 빛낸 위대한 작곡가로는 몬테베르디, 카리시미, A. 스카를라티, 쿠프랭, 라모, 퍼셀, 북스테후데, 파헬벨, 텔레만, 헨델, 그리고 J.S. 바흐가 있다.

3대 성악 장르의 확립: 오페라, 오라토리오, 칸타타

선율 하나에 단순한 화음 반주가 따르는 '모노디(Monody)'라는 혁신적인 가창 스타일이 등장하면서, 장소와 목적에 따라 세 가지 거대한 성악 장르가 비슷한 시기에 발전했다.

• 1. 오페라 (Opera)
  이탈리아어로 '작품'이라는 뜻을 지닌 오페라는 일상, 신화, 역사 등 다양한 주제를 다루며, 의상, 연기, 무대장치, 무용 등 표현 가능한 모든 요소를 동원하는 대규모 종합 무대 예술이다. 1598년에 작곡된 자코포 페리의 《다프네》가 최초의 오페라로 알려져 있으나 악보가 소실되었고, 현존하는 가장 오래된 오페라는 카치니와 페리가 각각 작곡한 《에우리디체(Euridice)》이다.
• 2. 오라토리오 (Oratorio)
  초기 기독교인들이 기도실(오라토리)에 모여 성경을 읽고 기도하던 모임에서 유래했다. 종교적인 줄거리를 독창, 중창, 합창, 관현악으로 연주하는 대규모 서사적 악곡이다. 음악 구성은 오페라와 비슷하지만 연기, 의상, 무대장치가 없으며 합창의 비중이 훨씬 크다. 특히 해설자(Testo 또는 Historicus)가 등장해 극의 진행을 설명하는 것이 특징이다.
  초기에는 라틴어 오라토리오가 중심이었으나 점차 자국어로 불리는 오라토리오가 대세가 되었다. 카리시미(《예프타》, 《요나》), 스카를라티(《최초의 살인》), 텔레만 등을 거쳐, 조지 프레드릭 헨델에 이르러 오라토리오는 최고의 전성기를 맞았다. 헨델의 《메시아》와 《이스라엘인》은 이 장르의 영원한 걸작이다.
• 3. 칸타타 (Cantata)
  이탈리아어 '노래하다(Cantare)'에서 유래한 칸타타는 독창, 중창, 합창과 기악 반주로 이루어진 다악장 형식의 성악곡이다. 오라토리오에 비해 규모가 작아(보통 40명 이내) 해설자가 없으며, 독창(아리아)이 중시된다.
  내용에 따라 귀족의 결혼이나 탄생을 축하하는 세속 칸타타와 예배용으로 쓰인 교회 칸타타로 나뉜다. 이탈리아에서는 A. 스카를라티가 800곡이 넘는 세속 칸타타를 남기며 정점에 달했고, 독일에서는 코랄(찬송가) 멜로디를 바탕으로 한 교회 칸타타가 발전했다. 독일 칸타타는 북스테후데, 텔레만을 거쳐 200여 곡이 넘는 J.S. 바흐의 교회 칸타타를 통해 음악사적 최고봉에 올랐다.