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피아노라는 문제 — 때린 직후 즉시 물러나야 하는 망치

피아노 이전의 건반악기는 두 종류였다. 하프시코드는 깃촉으로 현을 뜯고, 클라비코드는 작은 금속 탄젠트로 현을 누른다. 두 악기 모두 손가락이 음의 강약을 만들기 어렵다. 하프시코드는 깃촉이 현을 지나가는 순간이 정해져 있어 세게 누르나 약하게 누르나 거의 같은 음량이 나온다. 클라비코드는 강약 표현이 가능하지만 음량 자체가 너무 작아 큰 공간을 채울 수 없다.

크리스토포리가 풀려고 한 것은 단순한 발명이 아니라 음악적 요구였다. 건반에서 손가락 힘으로 강약(piano e forte)을 표현할 수 있어야 한다. 그가 도달한 해법은 발현이 아닌 타현이었다. 망치로 현을 때리면 망치의 속도가 곧 음의 강약이 된다. 하지만 여기서 새로운 문제가 생긴다. 망치가 현 위에 닿은 채 머물면 현은 진동할 수 없다. 발현악기처럼 어떤 부품이 현을 떠나야 하지만, 발현과 달리 그 부품은 손가락이 누른 직후의 한순간에만 현에 닿아야 한다. 누른 다음에는 떠나야 한다. 누르고 있는 동안에도.

이 모순을 해결하는 것이 바로 액션 메커니즘이다. 그래서 피아노 액션은 단순한 지렛대 장치가 아니라 “건반과 망치의 연결을 의도적으로 끊어 주는” 정교한 분리 시스템이다. 그것이 피아노가 다른 모든 건반악기와 갈라지는 지점이다.

망치가 강철 현을 때리고 즉시 후퇴하는 메커니즘

손가락에서 현까지 — 한 건반의 70개 부품

현대 그랜드 피아노의 액션은 한 건반당 약 70개 부품으로 구성된다. 88건반 전체로는 6천 개에서 1만 개를 넘는 부품이 한 악기 안에 들어 있다(제작사·모델별 편차). 손가락이 건반을 누른 직후부터 망치가 현을 때릴 때까지의 시퀀스는 다음과 같이 진행된다.

이 시퀀스에서 결정적인 부품은 잭(jack)이다. 잭은 위펜 위에 수직으로 서 있는 작은 막대인데, 평소에는 망치의 너클을 받쳐 위로 밀어 올린다. 그러나 망치가 현에 거의 도달한 순간, 잭은 옆으로 살짝 빠진다. 이 순간 망치는 잭의 지지를 잃고 자유 비행 상태로 현을 때린 뒤, 중력과 스프링 힘으로 다시 아래로 떨어진다. 잭이 옆으로 빠지는 이 동작이 바로 에스케이프먼트(escapement)다. 잭이 망치를 “탈출시킨다”는 의미다.

건반에 손가락이 닿은 직후부터 망치가 현을 때리기까지는 매우 짧은 시간이다. 이 짧은 구간 안에서 약 70개의 부품이 정해진 순서대로 정해진 각도로 움직인다. 부품 한 개의 위치가 미세하게 어긋나도 음의 반응성과 음색이 달라질 수 있다. 피아노 조율사가 단순히 음정만이 아니라 레귤레이션(regulation, 액션 조정)까지 함께 다루는 이유가 여기에 있다. 같은 원리가 그랜드 피아노에서 수평으로, 업라이트 피아노에서 수직으로 작동하는 차이는 그랜드와 업라이트의 액션 비교에서 따로 다룬다.

에스케이프먼트 — Cristofori가 풀어낸 핵심 문제

크리스토포리가 1700년경 피렌체에서 만든 악기에는 처음부터 에스케이프먼트가 있었다. 그가 발명한 악기는 처음에는 “gravicembalo col piano e forte”(여리고 세게 칠 수 있는 하프시코드)라 불렸고, 1700년 메디치가 재산 목록에 그 이름이 남아 있다. 1711년 시인이자 학자였던 시피오네 마페이(Scipione Maffei)가 Giornale de’ Letterati d’Italia에 이 악기의 도식과 설명을 게재했고, 이 한 편의 글이 크리스토포리의 발명을 유럽 전역에 알렸다(Pollens 1995).

현존하는 크리스토포리 피아노는 단 세 대다. 1720년 악기는 뉴욕 메트로폴리탄 미술관, 1722년 악기는 로마 국립악기박물관(Museo Nazionale degli Strumenti Musicali), 1726년 악기는 라이프치히 악기박물관에 있다. 이 세 악기를 직접 살펴본 학자들은 공통적으로 한 가지를 지적한다. 에스케이프먼트 메커니즘이 이미 1720년 시점에 거의 완성된 형태로 존재했다는 것이다. 이후 약 100년 동안 피아노는 음역과 음량은 크게 늘었지만, 에스케이프먼트라는 핵심 원리 자체는 크리스토포리의 설계를 정밀화하는 방향으로 발전했다.

왜 이 형태였는가. 답은 음악 실무 안에 있다. 18세기 초 이탈리아 음악은 성악을 모델로 한 강약 표현을 점점 강하게 요구하고 있었고, 건반악기에서도 같은 표현이 가능해야 한다는 압력이 누적되고 있었다. 크리스토포리의 해법은 사회사적 우연이 아니라 그 시대 음악이 요구한 구체적 문제에 대한 정확한 응답이었다. 그래서 그의 액션은 처음부터 단순한 “타현 장치”가 아니라 “손가락의 강약을 망치 속도로 번역하는 장치”로 설계되었다. 이 설계 의도가 액션 시퀀스의 모든 단계에 새겨져 있다.

현존하는 가장 오래된 피아노 — 바르톨로메오 크리스토포리 제작 (출처: metmuseum.org)

1821, Érard의 더블 에스케이프먼트

크리스토포리 액션에는 한 가지 한계가 있었다. 같은 음을 빠르게 반복하려면 건반이 완전히 위로 올라올 때까지 기다려야 했다. 잭이 다시 너클 아래로 돌아오기 전까지는 다음 타격을 위한 준비가 끝나지 않기 때문이다. 18세기까지의 음악은 이 한계와 충돌하지 않았지만, 19세기 비르투오시티 시대가 도래하면서 이 한계는 점점 더 큰 문제가 되었다.

1821년, 파리의 피아노 제작자 세바스티앵 에라르가 더블 에스케이프먼트(double escapement) 메커니즘에 대한 특허를 등록했다(Grove “Érard”). 핵심은 위펜에 추가된 작은 부품, 리피티션 레버(repetition lever, 반복 레버)다. 망치가 현을 때리고 아래로 떨어질 때, 이 레버가 떨어지는 망치를 중간에서 받아 다시 잭이 들어올 수 있는 위치로 잡아 둔다. 결과적으로 건반이 절반쯤만 다시 올라와도 잭이 너클 아래로 복귀하여 다음 타격을 준비한다. 같은 음의 빠른 반복이 비로소 안정적으로 가능해진 것이다.

오늘날 거의 모든 그랜드 피아노는 에라르식 더블 에스케이프먼트의 직계 후손이다. 19세기 후반 스타인웨이를 비롯한 주요 제작사들이 자기 방식의 개량을 더했지만, 1821년의 핵심 원리 — 망치를 중간에서 받아 두는 리피티션 레버 — 는 그대로 유지된다. 19세기 피아노 발전사 전반은 19세기 피아노 대혁신에서 별도로 다룬다.

현·브리지·향판 — 작은 타격이 큰 울림이 되는 과정

해머가 현을 때리면 현은 진동한다. 그러나 현 자체만으로는 우리가 아는 피아노의 큰 소리가 나오지 않는다. 강철 현은 얇고, 공기를 직접 밀어내는 면적이 너무 작기 때문이다. 그래서 현의 진동은 브리지(bridge)를 통해 향판(soundboard)으로 전달된다. 브리지는 현과 향판을 연결하는 다리이며, 향판은 피아노 소리의 실제 확성 장치다.

향판은 넓은 가문비나무 판이다. 현의 작은 진동을 받아 더 넓은 면적의 공기를 움직이게 한다. 이때 비로소 피아노 소리는 방 안을 채우고, 콘서트홀 끝까지 나아갈 수 있는 울림이 된다. 즉 피아노 소리는 액션과 망치만의 결과가 아니다. 현이 시작한 진동을 향판이 어떻게 받아들이고, 악기 전체가 어떻게 공명하는가의 결과다. 같은 망치, 같은 현이라도 향판이 제대로 진동하지 않으면 소리는 작고 답답해진다. 그래서 피아노 제작에서 향판의 재료, 두께, 건조 상태, 크라운(crown, 향판의 미세한 곡면) 구조는 음색을 좌우하는 결정적 요소가 된다.

현 자체의 구성도 음색에 크게 작용한다. 고음역의 현은 짧고 가늘며, 저음역의 현은 길고 굵고 구리 감김으로 질량을 늘린다. 또한 현대 그랜드 피아노에서는 한 음에 여러 줄의 현이 배치된다. 고음역은 세 줄, 중음역은 두세 줄, 저음역은 한두 줄이 일반적이다. 이 여러 현이 거의 같은 음정으로 조율되면서도 미세한 차이를 지니기 때문에, 피아노 소리는 단일한 선이 아니라 넓고 풍부한 울림으로 들린다.

망치의 타격은 현에서 시작되지만, 피아노다운 울림은 향판을 통해 공간으로 퍼진다(Steinway & Sons 그랜드 피아노 내부)

댐퍼·백체크·망치 헤드 — 소리를 멈추고 색을 만드는 장치

피아노에서 소리를 내는 장치만큼 중요한 것이 소리를 멈추는 장치다. 그것이 댐퍼(damper)다. 건반을 누르면 해당 음의 댐퍼가 현에서 떨어져 현이 자유롭게 울리고, 손을 떼면 댐퍼가 다시 현에 닿아 진동을 멈춘다. 댐퍼가 없다면 피아노는 음을 시작할 수는 있어도 명확하게 끝낼 수 없는 악기가 된다. 빠른 음형과 선명한 화성 진행은 댐퍼의 정확한 작동 없이는 불가능하다. 페달 세 개가 이 댐퍼 동작을 음악적으로 어떻게 확장하는지는 피아노 페달 3개의 음악적 의미에서 베토벤·드뷔시·라벨 작품과 함께 따로 다룬다.

액션에는 또 하나의 통제 장치가 있다. 백체크(back-check)다. 강하게 타격된 망치가 현에서 튕겨 내려올 때, 그대로 두면 망치가 반동으로 다시 현을 때릴 수 있다. 백체크는 떨어지는 망치의 꼬리 부분을 잡아 정해진 위치에 머무르게 함으로써 이 이중 타격을 막는다. 연주자가 건반을 누르고 있는 동안 망치는 백체크에 걸려 있다가, 다음 타격이 필요할 때 다시 출발한다. 빠른 반복에서 망치가 안정적으로 거동하는 것은 백체크와 더블 에스케이프먼트가 함께 작동하는 결과다.

액션이 망치를 현까지 정확하게 보내는 시스템이라면, 음색을 결정하는 마지막 변수는 망치 헤드 그 자체다. 현대 피아노 망치의 헤드는 단단한 나무 코어 위에 양털 펠트를 압축해 감은 구조다. 펠트는 현과 닿는 순간 약간 압축되어 변형되었다가 다시 복원된다. 이 짧은 접촉 시간 동안의 변형 정도가 음색의 핵심 변수 중 하나다. 단단한 펠트는 밝고 직접적인 음을, 부드러운 펠트는 어둡고 둥근 음을 만든다. 그래서 피아노 기술자들은 바늘로 펠트를 부분적으로 풀어 주는 보이싱(voicing) 작업으로 망치 하나하나의 단단함을 미세 조정한다. 이 펠트의 단단함이 제작사별 음색 철학으로 어떻게 갈라지는지는 스타인웨이·뵈젠도르퍼·야마하·파치올리 4대 명기 비교에서 함께 다룬다.

해머 펠트(흰색·빨간 압축 코어)가 현을 때리는 순간, 그 변형 정도가 음색을 결정한다.(출처: pianopricepoint.com)

두 곡으로 듣는 피아노 액션

피아노 액션의 의미는 추상적인 설명보다 한 곡 안의 한 순간에서 더 분명하게 들린다. 다음 두 곡을 추천한다.

프란츠 리스트 〈라 캄파넬라〉(파가니니 대연습곡 제3번, 1851 개정판) — 라자르 베르만, DG 1976. 이 곡 중간부에서 같은 음 D♯이 빠르게 반복되는 패시지를 의식적으로 들어 보자. 한 손가락이 한 음을 짧은 시간 안에 여러 차례 두드릴 때, 건반이 완전히 올라오기 전에 다음 타격이 가능해야 그 속도가 나온다. 더블 에스케이프먼트가 없었다면 이 패시지는 손가락 두 개를 번갈아 쓰는 다른 운지법으로 작곡되었을 것이고, 곡의 인상 자체가 달라졌을 것이다. 리스트의 음악적 상상력이 1821년 에라르의 메커니즘 위에 얹혀 있다는 사실이 가장 직접적으로 들리는 순간이다.

루트비히 판 베토벤 피아노 소나타 32번 다단조 Op.111(1822) 2악장 마지막 변주의 트릴 — 마우리치오 폴리니, DG 1977. 마지막 변주의 후반부, 오른손이 고음역에서 길게 트릴을 유지하는 동안 왼손이 그 아래에서 주제를 노래한다. 트릴이 단순한 장식이 아니라 공중에 떠 있는 빛처럼 들리는 이유는, 두 음의 망치가 교대로 빠르게 현을 때리는 동안 댐퍼가 두 현 모두에서 떨어져 있어 진동이 자유롭게 공명하기 때문이다. 액션과 댐퍼와 페달이 한 음악적 인상을 만들어 내는 합주가 들리는 곳이다. 같은 곡의 1820년대 포르테피아노 연주(예: Tom Beghin, Andreas Staier 등)와 비교해 들으면, 현대 피아노가 어떤 음향적 가능성을 추가로 얻었는지 또렷하게 드러난다.

피아노 작동 원리를 한 번에 이해하려는 시도는 곧 그 악기가 풀어 온 320년 동안의 문제를 따라가는 일과 같다. 이 글이 다룬 메커니즘은 그 출발점이다. 피아노의 다음 단계 — 1700년 발명에서 1900년 모던 피아노까지의 발전사, 4대 명기의 음향 철학, 페달과 작품의 결합 — 는 피아노의 역사와 종류의 다른 글들에서 이어진다.

그로부터 320년이 지났다. 그 사이 피아노는 메디치 궁정의 작은 실험에서 콘서트홀의 콘서트 그랜드로 바뀌었고, 베토벤·쇼팽·리스트·드뷔시·라흐마니노프의 손끝을 거치며 인류가 가진 가장 표현력 넓은 악기 중 하나가 되었다. 콘서트홀에서 같은 곡을 스타인웨이와 뵈젠도르퍼로 들어 보면 저음 잔향의 깊이가 전혀 다르게 다가오는데, 이런 차이가 어디서 오는지를 이해하는 일도 피아노를 듣는 즐거움의 한 부분이다. 이 글은 피아노 콘텐츠 클러스터의 허브 가이드로, 피아노의 발음 원리부터 19세기 기술 혁신, 4대 명기의 음향 철학, 그랜드와 업라이트의 구조 차이, 페달의 음향적 메커니즘, 시대별 대표 레퍼토리까지 — 320년을 한 편에 압축한다.

현존하는 가장 오래된 피아노 — 바르톨로메오 크리스토포리 제작 (출처: metmuseum.org)

1. 피아노는 어떻게 소리를 내는가 — 망치·댐퍼·에스케이프먼트

피아노의 발음 원리는 한 문장으로 줄이면 “건반을 누르면 망치가 현을 때리고, 현의 진동이 향판을 통해 증폭된다”이다. 그러나 이 짧은 문장 안에 피아노가 하프시코드나 오르간과 결정적으로 갈라지는 핵심이 들어 있다. 하프시코드는 작은 잭(jack)이 현을 뜯는 발현(撥弦) 악기이기 때문에 건반을 세게 눌러도 음량이 거의 변하지 않는다. 오르간은 바람이 파이프로 들어가 소리를 내므로 손가락의 압력이 직접 음량으로 바뀌지 않는다. 반면 피아노는 손가락의 힘이 액션이라는 지렛대 장치를 거쳐 망치의 속도와 타격 에너지로 변환된다. 이 때문에 피아노는 한 음 안에서도 속삭일 수 있고, 외칠 수 있고, 갑자기 긴장했다가 다시 사라질 수 있다.

중요한 것은 망치만이 아니다. 망치가 현을 때린 직후에는 즉시 현에서 떨어져야 한다. 망치가 현에 붙어 있으면 진동이 막히고 소리는 “퍽” 하고 죽어 버린다. 망치를 현에서 떼 주는 구조가 바로 에스케이프먼트(escapement)다. 또 건반에서 손을 떼면 댐퍼(damper)가 현 위로 내려와 진동을 멈추게 한다. 망치, 댐퍼, 현, 브리지, 향판, 프레임이 손가락의 짧은 한 번의 압력 안에서 동시에 협력하는 셈이다.

2. 피아노의 탄생 — Cristofori와 1700년경 피렌체

피아노의 출발점은 1700년경 피렌체다. 바르톨로메오 크리스토포리(Bartolomeo Cristofori, 1655–1731)는 파도바 출신의 악기 제작자로, 1688년부터 메디치 가문 페르디난도 대공의 궁정에 고용되어 악기 관리와 제작을 맡았다. 메디치 가는 당시 이탈리아 최고의 음악 후원자 중 하나였고, 크리스토포리는 그곳에서 하프시코드와 다른 발음 방식의 새 악기를 구상할 수 있었다. 

관연 글 읽기 : 피아노는 누가 만들었나 — 크리스토포리와 1700년경 피렌체

1700년 메디치 궁정 악기 목록에 새 해머식 건반악기가 처음 기록되었다. 그리고 1711년, 마페이의 논문이 이 발명을 유럽 전역에 알렸다. 마페이가 사용한 표현 “gravicembalo col piano e forte” — 약하게도 강하게도 칠 수 있는 하프시코드 — 는 이 악기의 본질을 그대로 담는다. 오늘날 명칭 “피아노포르테”, 줄여서 “피아노”는 바로 이 강약 가능성에서 나왔다. 피아노라는 이름 자체가 악기의 핵심을 말해 준다.

크리스토포리의 초기 피아노는 현대의 콘서트 그랜드와 비교하면 훨씬 가벼운 목재 프레임과 얇은 현을 지녀 음량이 작았다. 음역도 4~5옥타브에 머물렀다. 그러나 그 내부에는 이미 피아노의 두 핵심 — 손가락 힘이 음량으로 바뀐다는 발상, 그리고 망치가 현을 때린 뒤 물러나야 한다는 에스케이프먼트의 원리 — 가 갖춰져 있었다.

3. 19세기 피아노 대혁신 — Erard·Pleyel·Steinway

크리스토포리가 가능성을 열었다면, 19세기는 그 가능성을 폭발적으로 확장한 시대다. 살롱을 넘어 수천 명을 수용하는 대형 콘서트홀이 등장했고, 작곡가들은 더 큰 음량과 더 넓은 음역, 더 빠른 반복음, 더 강한 내구성을 요구했다. 이 음악적 압박이 피아노 제작 기술을 두 가지 결정적 방향으로 밀어붙였다.

첫째는 프랑스 제작자 세바스티앵 에라르(Sébastien Érard, 1752–1831)가 1821년 런던에서 특허를 취득한 더블 에스케이프먼트(double escapement) 액션이다. 이전까지의 액션은 건반이 완전히 원위치로 돌아와야 같은 음을 다시 칠 수 있었다. 에라르는 중간 레버(repetition lever)를 추가해 망치가 절반만 물러나도 즉시 재타격이 가능하게 만들었다.

둘째는 주물 철제 프레임과 오버스트링이다. 음량을 키우기 위해 현을 굵게 만들면 목재 프레임은 그 장력을 이기지 못하고 휘어진다. 1825년 보스턴의 알페우스 배콕(Alpheus Babcock)이 주물 철제 프레임을 특허 출원했고, 1853년 뉴욕에서 창립한 스타인웨이 앤 선즈(Steinway & Sons)는 1859년에 저음현을 대각선으로 교차시켜 중고음현 위로 지나가게 하는 오버스트링(교차현) 배열을 주철 프레임과 결합한 특허를 취득했다. 가문비나무 향판은 가벼우면서도 단단해 진동을 효율적으로 퍼뜨리는데, 이 교차현 배열은 베이스 브리지를 향판의 가장자리에서 공명 효율이 가장 높은 중앙부로 이동시켜 깊은 저음 공명을 만들어냈다. 1870년대 스타인웨이의 단일 림(rim bending) 공법은 케이스 자체를 공명체로 만들었다. 19세기를 거치며 피아노는 살롱의 섬세한 악기에서 콘서트홀에서 오케스트라와 맞설 수 있는 악기로 바뀌었다.

같은 시기 파리의 플레옐(Pleyel)은 가벼운 터치와 노래하는 음색으로 살롱의 악기로 자리 잡았다. 19세기 문헌에 전해지는 바에 따르면 쇼팽은 플레옐을 선호했다고 한다. 다만 쇼팽이 모든 작품을 한 종류의 피아노로만 연주한 것은 아니며, 공개 연주에서는 에라르를 사용하기도 했다는 기록이 함께 전한다.

19세기 후반 콘서트 그랜드 내부. 주물 철제 프레임이 높은 현 장력을 견딘다.

4. 4대 피아노 명기 비교 — 음향 철학의 차이

현대 콘서트홀에서 자주 만나는 콘서트 그랜드 브랜드를 말할 때 스타인웨이, 뵈젠도르퍼, 야마하, 파지올리는 빠지지 않는다. 그러나 이 이름들을 “어느 것이 최고인가”의 문제로 다루면 피아노를 잘못 이해하게 된다. 좋은 피아노의 세계에는 단일한 정답이 아니라 서로 다른 음향 철학이 있다. 어떤 악기는 명료한 투사력을, 어떤 악기는 깊은 저음 공명을, 또 어떤 악기는 대형 홀에서의 균형을 우선한다.

이 표는 우열이 아니라 철학의 차이를 정리한 것이다. 스타인웨이의 균형을 좋아하는 협주곡 청자도 있고, 뵈젠도르퍼의 어두운 저음을 사랑하는 슈베르트·브람스 애호자도 있으며, 파지올리의 투명한 음향에 매료되는 현대음악 팬도 있다. 같은 곡, 같은 연주자, 같은 홀에서도 어떤 피아노를 선택하느냐에 따라 음악의 표정이 달라진다.

5. 그랜드 피아노와 업라이트 — 구조가 결정하는 음향

피아노 종류를 말할 때 가장 흔한 구분은 그랜드 피아노와 업라이트 피아노다. 겉으로 보면 그랜드는 누워 있고 업라이트는 세워져 있다. 그러나 음악적으로 중요한 차이는 모양이 아니라 액션의 방향과 현·향판의 배치다.

구조적으로 그랜드는 더 긴 현과 더 넓은 향판을 확보하기 쉽다. 콘서트 그랜드는 길이 약 274cm까지 늘어나고, 그만큼 저음현이 길어져 풍부한 배음과 깊은 공명을 만든다. 베이비 그랜드(약 140~150cm)는 같은 그랜드 액션의 반응성을 갖지만 짧은 현 때문에 음색의 깊이는 콘서트 그랜드에 미치지 못한다. 업라이트는 공간 효율성이 뛰어나 가정과 학원·연습실에서 큰 장점을 갖지만, 구조상 그랜드와 같은 수준의 반응성과 공명감을 내기는 어렵다. 좋은 업라이트는 작은 공간에서 매우 훌륭한 음악적 도구이지만, 두 악기는 같은 “피아노”라는 이름 아래에서도 음향 조건이 다르다.

이 구분은 구매 글이 아니라 감상 글에도 필요하다. 독주회·협주곡·실내악 녹음에서 우리가 듣는 피아노는 거의 콘서트 그랜드의 소리이고, 집에서 연습하는 경험은 업라이트에 가깝다. 두 경험의 차이를 알면 녹음 속 피아노가 왜 그렇게 넓게 울리고, 빠른 반복음이 왜 그렇게 선명하게 살아나는지 더 잘 들린다.

현대 콘서트 그랜드. 길이 약 274cm, 무게 약 480~500kg

6. 피아노 페달 3개의 음향적 메커니즘

피아노 아래의 세 페달은 장식이 아니다. 악기 내부의 기계적 접점을 조작하여 공진과 음색의 스펙트럼을 배합하는 적극적인 음향 조향 장치다.

댐퍼 페달(오른쪽, sustain pedal)은 밟는 즉시 88건반의 모든 댐퍼가 현에서 일제히 떨어진다. 타격된 현의 소리가 유지될 뿐만 아니라, 댐퍼가 들린 나머지 현들 중 진동수가 배음(overtone) 관계에 있는 현들이 함께 울리는 공진(sympathetic resonance) 현상이 일어난다. 피아노 전체가 하나의 거대한 울림통으로 변모하는 순간이다. 이 페달이 없으면 쇼팽의 넓은 화성, 드뷔시의 물결치는 색채, 라벨의 빛나는 음향은 지금처럼 들리기 어렵다.

소스테누토 페달(가운데, sostenuto pedal)은 페달을 밟는 정확한 찰나에 연주자가 누르고 있던 특정 건반의 댐퍼만을 들린 상태로 묶어둔다. 바흐의 오르간 곡을 피아노로 편곡할 때 낮은 베이스 지속음을 울리게 둔 채 양손이 높은 음역에서 끊어지는 패시지를 연주할 수 있도록 돕는다.

우나 코르다 페달(왼쪽, una corda pedal)은 그랜드에서 건반과 액션 부품 전체를 우측으로 미세하게 밀어낸다. 그 결과 망치가 평소 타격하던 3줄 묶음 중 2줄(또는 1줄)만 때리게 되며, 펠트면에서 깊게 파인 현 자국 사이의 부드럽고 덜 압축된 면이 현에 닿는다. 물리적 타격면의 질감이 변하면서 음량이 줄어듦과 동시에 음색 자체가 흐릿하고 몽환적으로 바뀐다.

7. 시대별 피아노 대표 레퍼토리 — 작품으로 듣는 320년

피아노의 발전사는 작품을 통해 들을 때 가장 잘 이해된다. 그 시대의 피아노가 무엇을 할 수 있었고, 작곡가는 그 가능성을 어떻게 사용했는지를 함께 보아야 한다. 아래 여덟 곡은 320년의 흐름을 한 번에 짚을 수 있게 골랐다.

이 여덟 곡을 시대순으로 들으면 피아노라는 악기가 무엇을 할 수 있게 되었는지가 귀로 들린다. 바흐의 평균율은 음향이 명료할 때 가장 빛나고, 모차르트의 K.310은 가벼운 터치 위에서 자연스럽게 호흡하며, 베토벤 Op.111은 새 악기의 음역과 트릴을 음악적 사유로 끌어올린다. 쇼팽 발라드 4번은 플레옐의 노래하는 음색과 더블 에스케이프먼트의 빠른 반복이 만난 정점이고, 라흐마니노프 협주곡 2번에 이르면 우리가 오늘 콘서트홀에서 듣는 콘서트 그랜드의 모든 가능성이 한 자리에 모여 있다.

마무리 — 320년의 흐름을 두 곡으로 듣기

피아노는 1700년경 크리스토포리의 공방에서 갑자기 완성된 악기가 아니다. 마페이의 1711년 논문이 발명을 유럽에 알렸고, 19세기의 더블 에스케이프먼트와 주물 철제 프레임, 오버스트링이 살롱의 악기를 콘서트홀의 거인으로 바꾸었으며, 현대 콘서트 그랜드에 이르러 피아노는 독주 악기이자 협주 악기, 실내악 악기이자 작곡가의 실험실이 되었다. 이 320년의 흐름을 한 번에 체감하고 싶다면 다음 두 곡을 권한다.

피아노의 매력은 “건반이 많다”거나 “소리가 아름답다”는 말로 끝나지 않는다. 피아노는 기계 장치가 인간의 감정을 막는 악기가 아니라, 오히려 그 정교한 기계 장치 덕분에 손끝의 압력·망설임·숨·긴장·폭발이 음악으로 바뀌는 악기다. 피아노를 이해하면 피아노 작품이 다르게 들리고, 피아노 작품을 듣다 보면 이 악기가 왜 320년 동안 서양음악의 중심에 서 있었는지가 자연스럽게 이해된다.